Jethro Tull, eine wegweisende Progressive-Rock-Band, deren Geschichte sich über Jahrzehnte und wechselnde Besetzungen erstreckt, zeichnet sich seit jeher durch eine einzigartige Kernessenz aus. Im Interview mit Christoph Diekmann sprachen Frontmann Ian Anderson und Toningenieur Bruce Soord (The Pineapple Thief) über die Entwicklung der Band, das Album RökFlöte und den Einfluss von KI auf die Musikproduktion der Zukunft.
Sprechen wir zunächst über Jethro Tull. Jethro Tull ist eine der wegweisenden Progressive-Rock-Bands und hat sich trotz wechselnder Besetzungen bis heute gehalten. Kannst du die Entwicklung der Band über die Jahre beschreiben?
IAN: Es ist interessant, dass du die Entwicklung von Jethro Tull durch verschiedene Besetzungen ansprichst. Obwohl im Laufe der Jahre viele Bandmitglieder kamen und gingen, ist die Kernessenz von Jethro Tull seit ihrer Gründung erhalten geblieben. Es ist etwas Einzigartiges, wenn Musiker für ein paar Monate oder Jahre zusammenkommen und eine besondere Qualität in die Musik bringen. Die Bandkultur entwickelt und verändert sich mit der Zeit, aber es gibt eine zugrunde liegende Essenz, die bis zu den Anfängen zurückreicht.
Ich begann im Sommer 1968, Songs für unser zweites Album zu schreiben, und das war die Zeit, als wir anfingen, einen progressiveren Musikstil zu entwickeln, der sich von den Blues-Einflüssen unterschied, die unseren Sound anfangs geprägt hatten. Wir sind sicherlich als Musiker gewachsen und haben unser Handwerk perfektioniert. Einige der älteren Bandmitglieder könnten Schwierigkeiten haben, unsere neueren Songs zu spielen, aber die aktuellen Mitglieder müssen vielseitig sein und die große musikalische Bandbreite schätzen, die von 1968 bis 2023 reicht.
Würdest du sagen, dass Veränderung ein ständiges Thema auf deiner Reise war?
IAN: Veränderung ist der gemeinsame Nenner, aber es gibt auch Momente der Stabilität. Eine langjährige Besetzung kann Stabilität in die Bandkultur und den Sound bringen. Im Moment sehen wir keine signifikanten Veränderungen und obwohl sich das in der Zukunft ändern kann, ist es wichtig, sich anzupassen und weiterzuentwickeln. Da ich nicht jünger werde und ein Besuch im Supermarkt einer monumentalen Expedition gleicht, muss ich so lange spielen, wie ich kann.
Bruce, du hast viel Erfahrung als Toningenieur, vor allem im Rock-Genre. Wie kam es zur Zusammenarbeit mit Jethro Tull, angeführt von Ian, für das „RökFlöte“-Projekt?
BRUCE: Die Zusammenarbeit mit Jethro Tull und Ian für das „RökFlöte“-Projekt begann, weil ich eines der wenigen Studios war, das speziell in diesem Musikgenre für Dolby Atmos geeignet war. Außerdem verfügte ich über das nötige Raumklang-Equipment. Ians Manager James kontaktierte mich, um das Potenzial von Dolby Atmos auszuloten. Ian kam in mein Studio, das im Grunde ein hochwertiges Gartenhaus ist, das ich sorgfältig für die Atmos-Mischung hergerichtet habe. Das war der Beginn des Projekts, und es war eine sehr bereichernde Erfahrung.
Ian du hast das Projekt „RökFlöte“ genannt. Wie sollen wir es aussprechen? Ähnelt es der deutschen Aussprache „Rock Flöte“? Wie sprichst du es aus?
IAN: Wir streben eine Aussprache an, die dem deutschen „Rök“ ähnelt, aber wir wissen, dass das vor allem für einige Amerikaner schwierig sein kann. Um es ihnen leichter zu machen, sprechen wir es oft als „Rock Flute“ aus. Der Begriff „Rök“ hat jedoch eine historische und linguistische Bedeutung in verschiedenen europäischen Sprachen. Im Altisländischen bedeutet „Rök“ Schicksal, und es steht in Verbindung mit Wörtern wie „Ragnarök“, was in der nordischen Mythologie das Ende der Tage bedeutet.
Es ist definitiv ein ungewöhnlicher Name, und die Tatsache, dass er von einer britischen Band stammt, gibt ihm eine interessante Wendung. Da dies dein 23. Studioalbum ist und du gerade auf Tour bist, kannst du uns etwas über den Charakter dieser Tour erzählen und was sie mit dem Album „RökFlöte“ zu tun hat?
IAN: In den letzten Jahren ging es bei den Tourneen hauptsächlich darum, meine körperliche Gesundheit zu erhalten und in Form zu bleiben. Für mich ist es wichtig, auch bei schwierigen Wetterbedingungen auf der Bühne zu stehen. Ärztliche Konsultationen haben ergeben, dass es für mich von Vorteil ist, weiterhin auf der Bühne zu stehen, solange ich keine anderen gesundheitlichen Probleme habe. Es hat etwas Aufregendes, Romantisches und Absurdes, auf der Suche nach Ruhm, Reichtum und Abenteuer in neue Länder zu reisen, und das gefällt mir immer noch.
Aber ich bin kein Fan von langen Tourneen, die sechs Wochen oder zwei Monate dauern. Ich bevorzuge kurze Tourneen, die normalerweise nur ein paar Tage dauern. Die Vorstellung, lange auf Tournee zu sein, in Hotels zu wohnen und ständig unterwegs zu sein, reizt mich nicht mehr. Ein paar Tage macht es Spaß, aber nicht mehrere Wochen.
Was die Setlist betrifft, so versuchen wir bei unseren Konzerten ein breites Spektrum abzudecken. Wir spielen Songs vom letzten Album, einige vom neuen Album und etwas aus jedem der sieben Jahrzehnte, in denen Jethro Tull existiert hat. Unser Publikum kommt, um klassische Songs zu hören, die verschiedene Phasen unserer Karriere geprägt haben. Wir haben ein großes Repertoire, aus dem wir für jede Tour eine abwechslungsreiche Setlist zusammenstellen können.
Bruce, wenn ich mich nicht irre, hast du mit der Arbeit an „RökFlöte“ begonnen, nachdem der Stereomix fertig war. Hat das Live-Setup und die räumliche Dimension einer Live-Performance deine Herangehensweise an den Mix dieses Albums beeinflusst?
BRUCE: Ja, das stimmt. Als ich mit „RökFlöte“ anfing, war der Stereomix schon fertig. Ein wesentliches Element dieses Albums ist, dass es die Band live im Studio zeigt. Das unterscheidet sich von modernen Aufnahmeprojekten, bei denen viele Musiker Schichten übereinander legen und die Tracks bis zur Perfektion bearbeiten. „RökFlöte“ bewahrt die rohe und authentische Essenz einer Live-Performance. Die Instrumentierung ist relativ einfach und besteht aus Gitarren, Keyboards, Gesang, Flöten und Schlagzeug.
Angesichts dieses live-ähnlichen Ansatzes bei der Aufnahme bot das Mischen für Dolby Atmos die einzigartige Gelegenheit, räumliche Dimensionen hinzuzufügen, um den Klang zu verbessern. Zum Beispiel habe ich bei den Gitarren Spuren dupliziert, verschiedene Effekte angewendet und alternative Klänge im Raum platziert, um die akustische Landschaft zu erweitern.
IAN: Es ist wichtig anzumerken, dass ich von Anfang an vorgeschlagen habe, dass Bruce auch einen alternativen Stereomix machen sollte. Sowohl einen Dolby Atmos-Mix als auch einen Stereo-Mix zu haben, bietet dem Zuhörer mehr Möglichkeiten und eine etwas andere Perspektive auf die Musik. Die Möglichkeit, die Musik auf verschiedene Arten zu erleben, ist für unser Publikum sehr wichtig.
Ian, was war deine Erfahrung, als du den immersiven Dolby Atmos-Mix von „RökFlöte“ zum ersten Mal gehört hast, wenn man bedenkt, dass du aus der Monozeit kommst und den Übergang zu diesem 360-Grad-Audioformat gemacht hast?
IAN: Ich hatte die Gelegenheit, den immersiven Mix in Bruce‘ Studio zu hören, da ich zu Hause nicht über das nötige Equipment verfüge, um solch fortschrittliche Audiotechniken anzuwenden. Ich höre Musik am liebsten über hochwertige Kopfhörer, die ein klares Stereoklangerlebnis bieten, das frei von Einflüssen der Raumakustik ist. Ich finde, dass man so ein reines Hörerlebnis hat.
Obwohl ich auch andere Höroptionen habe, benutze ich gelegentlich Apple-Kopfhörer mit Algorithmen, die eine Art 360-Grad-Klang simulieren. Diese Kopfhörer geben einen Vorgeschmack auf die räumliche Qualität, aber die zusätzliche Technologie kann die Klangqualität der Musik beeinflussen. Insbesondere Bluetooth führt winzige Latenzen, Phasenauslöschungen und andere Klangartefakte ein. Im Idealfall würde ich das Stereoklangerlebnis mit hochwertigen Kopfhörern beibehalten, aber ich schätze das immersive Erlebnis von Mehrkanal-Audio. Mein Songwriting wird dadurch aber nicht wesentlich beeinflusst.
Da unsere Leser oft mindestens zehn Lautsprecher in ihren Räumen haben und wir uns im Heimkino-Markt bewegen, spezialisieren wir uns auf die Audioqualität von Blu-ray und Streaming. Was hältst du von der Möglichkeit, Instrumente an verschiedenen Stellen im Raum zu platzieren? Inspiriert dich das kreativ?
IAN: Wenn ich Musik schreibe, konzentriere ich mich darauf, wie sie klingt, wenn ich nicht im Proberaum bin. Sobald ich in die Live-Performance mit den anderen Musikern eintauche, erlebe ich einen 360-Grad-Sound. Aber das hat keinen direkten Einfluss auf meinen Songwriting-Prozess. Songwriting ist ein abstraktes Unterfangen, das normalerweise an meinem Schreibtisch im Büro stattfindet, und der kreative Prozess wird nicht von der für die Wiedergabe verwendeten Technologie beeinflusst.
Mein Ziel als Musiker ist es, sicherzustellen, dass die Musik großartig klingt, egal wo sie gespielt wird, sei es mit hochwertigen Kopfhörern, einem 360-Grad immersiven Audio-Setup oder einem anderen Medium. Was Bruce betrifft, könnte das immersive Format seinen Songwriting-Prozess auf andere Weise beeinflussen.
BRUCE: Eigentlich wird der kreative Songwriting-Prozess nicht direkt durch das Mehrkanalformat beeinflusst. Beim Komponieren liegt der Fokus ganz auf der Musik selbst. Die Rolle des Multi-Channel-Mixing kommt erst später im Produktionsprozess, wenn wir darüber nachdenken, wie wir die Technologie am besten einsetzen können, um das Hörerlebnis zu verbessern.
Könnt ihr uns mehr über den Quad-Mix von „Aqualung“ und andere Alben erzählen, die in der Vergangenheit einen Multi-Channel-Mix erhalten haben?
IAN: In der Vergangenheit haben wir Quadrophonic-Mixe für Alben wie „Aqualung“ gemacht. Wir hatten sogar ein mobiles Aufnahmestudio, das speziell für Quadrophonic-Aufnahmen konzipiert war. Aber die Technik war damals noch nicht so weit wie heute. Um Quadrophonie-Musik abzuspielen, wurde ein Vinyl-Codierverfahren für die hinteren Kanäle mit begrenzter Bandbreite und Qualität verwendet. Daher war das Quadrophonieformat nicht ideal, um die volle Tiefe und die Feinheiten unserer Musik wiederzugeben.
BRUCE: Die damalige Technologie hatte ihre Grenzen, aber die Idee der Quadrophonie war faszinierend. Die Möglichkeit, ein immersiveres Erlebnis zu schaffen, war aufregend. Heute, mit den Möglichkeiten von Dolby Atmos und fortschrittlichen räumlichen Audiotechnologien, haben wir viel mehr Freiheit und Flexibilität, um ein wirklich immersives Hörerlebnis zu schaffen.
Wie sieht die Zukunft aus? Seht ihr die Möglichkeit, weitere Alben von Jethro Tull mit Mehrkanal- und Dolby Atmos-Mischungen zu produzieren?
IAN: Im Laufe der Jahre haben wir mit verschiedenen Remix-Technikern zusammengearbeitet, um mehrkanalige Formate zu erforschen. Steven Wilson und Jakko Jakszyk haben uns mit ihrem Fachwissen geholfen, unsere klassischen Alben zu verbessern. Bruce ist der jüngste dieser talentierten Toningenieure. Es hat mich fasziniert, dass diese Ingenieure, Bruce eingeschlossen, nicht unbedingt mit der Musik von Jethro Tull vertraut waren, als wir mit der Arbeit begannen. Sie gingen das Projekt als professionelle Aufgabe an, ohne sich auf Vorwissen oder persönliche Vorurteile zu stützen.
BRUCE: Das ist richtig. Als ich mit der Arbeit an „RökFlöte“ begann, wurden mir Ian und Jethro Tull von Fachleuten empfohlen. Durch dieses Projekt wurde ich in die Band eingeführt, und es war eine bereichernde Erfahrung. Ich hatte auch die Gelegenheit, an mehreren Remixen von Live-Material in Surround-Sound-Formaten zu arbeiten. Es ist wichtig, dem Publikum die Wahl zu lassen, wie es die Musik erleben möchte, sei es in Stereo oder in immersiven Formaten.
IAN: Was zukünftige Multichannel- und Dolby Atmos-Projekte angeht, so besteht die Möglichkeit, dass wir mehr aus unserem Katalog erforschen, aber das hängt von verschiedenen Faktoren ab. Das Ziel ist es, den Hörern weiterhin eine Vielzahl von Möglichkeiten zu bieten, unsere Musik zu genießen.
Wenn wir in die Zukunft blicken, entwickeln sich Technologien wie künstliche Intelligenz rasant weiter und bieten neue Möglichkeiten für die Musikproduktion. Wie siehst du die Rolle von KI in der Musikproduktion und hast du irgendwelche Pläne oder Ideen in dieser Richtung?
IAN: Obwohl KI das Potenzial hat, die Musikproduktion zu verbessern, glaube ich, dass sie mit Bedacht eingesetzt werden sollte. Sie kann bei verschiedenen Aspekten der Musik helfen, aber wir müssen aufpassen, dass sie den kreativen Prozess nicht vollständig kontrolliert oder definiert. Ähnlich wie bei digitalen Aufnahmeformaten ist die Technologie ein Werkzeug, um die Erfahrung zu verbessern, nicht um sie vorzugeben. Wenn KI beginnt, das Wesen und den Geist der menschlichen Kreativität zu ersetzen, habe ich Bedenken.
BRUCE: Ich stimme Ian in dieser Hinsicht zu. KI sollte ein hilfreiches Werkzeug im kreativen Prozess sein, aber sie darf nicht überhandnehmen. Es ist wichtig, die Integrität und Authentizität der Musik zu bewahren und sich nicht zu sehr auf KI zu verlassen, wenn sie den künstlerischen Ausdruck behindert.
IAN: Letztendlich sollte die Beziehung zwischen Künstlern und KI von künstlerischer Integrität und Respekt für den kreativen Prozess geprägt sein. Musik sollte den menschlichen Geist widerspiegeln und die Herzen der Zuhörer berühren. Wenn KI diesen Prozess verbessern kann, ohne die Kernwerte der Musik zu gefährden, kann sie eine wertvolle Ergänzung sein.
Vielen Dank, dass ihr eure Einsichten und Erfahrungen mit uns geteilt habt. Wir wissen eure Zeit sehr zu schätzen.
Hinweis: Ein ausführliches Interview mit Bruce Soord zu seiner Arbeit als Toningenieur und Musiker folgt in Kürze.
