In unserem Interview mit The Pineapple Thief-Frontmann Bruce Soord sprachen wir über seinen musikalischen Werdegang, seine Rolle als Toningenieur und seine Erfahrungen mit Dolby Atmos. Von den Anfängen als Teenager bis hin zur Einrichtung eines Dolby Atmos-kompatiblen Mischraums gibt Bruce spannende Einblicke in seine Karriere. Das Interview hat Christoph Diekmann geführt. (TItelfoto von Kaley Nelson Photography)
Hallo Bruce, vielen Dank, dass du dir die Zeit nimmst, uns etwas mehr über deine Musik und deine Arbeit als Toningenieur zu erzählen. Du bist Solokünstler, Frontmann, Gitarrist und Songwriter von Pineapple Thief und Mischtechniker für viele Produktionen anderer Künstler. Wie bist du zum Künstler geworden und dann hinter das Mischpult gekommen?
Ja, ich habe meine Liebe zur Musik entdeckt, als ich 14 war. Vorher war ich nur ein typischer Teenager, der Popmusik mochte. Aber dann bin ich durch das Alan Parsons Project auf den Progressive Rock der 70er Jahre gestoßen. Das war der Beginn meiner musikalischen Reise. Ich kaufte mir eine Gitarre und gründete eine Schulband. Ende der 90er Jahre baute ich mir mein eigenes Studio auf und nutzte die damals erschwingliche Digitaltechnik. Das erforderte einiges an technischem Know-how, aber zum Glück war ich ein kleiner Technikfreak. Ich begann, meine eigene Musik zu Hause zu produzieren, was damals noch nicht so üblich war. In den letzten 25 Jahren habe ich meine Fähigkeiten verfeinert und einen voll ausgestatteten Mischraum aufgebaut, der jetzt Dolby Atmos-kompatibel ist.
Würdest du sagen, dass dein Weg hauptsächlich durch Learning by Doing geprägt war?
Auf jeden Fall. Am Anfang habe ich einen Mix fertiggestellt, dachte, er klingt großartig, und dann habe ich ihn mit einigen wirklich großartig klingenden Platten verglichen und mich gefragt, warum meiner nicht mithalten konnte. Es gab keine magische Lösung, es war ein schrittweiser Prozess, die Feinheiten des Mischens zu verstehen und die Bedeutung von Performance und Klangqualität zu erkennen. Als meine Akustikgitarren zum Beispiel gut klangen, lag das daran, dass ich in hochwertige Akustikgitarren investiert hatte. Das ist keine Raketenwissenschaft.
Ja, kein Wunder [lacht]. Wie balancierst du als Musiker und Toningenieur deine kreativen und technischen Rollen im Studio aus?
Ehrlich gesagt ist das eine Art Jonglieren. Wenn ich Musik schreibe und aufnehme, bin ich in einer sehr kreativen Denkweise und versuche, die technischen Überlegungen nicht in den Vordergrund zu stellen. Die Musik soll natürlich fließen. Es gibt jedoch Momente, in denen ich in die Rolle des Toningenieurs schlüpfen muss, um technische Probleme zu lösen oder kreative Entscheidungen zu treffen, die den Mix beeinflussen. Es geht darum, die richtige Balance zu finden und zu wissen, wann man zwischen den beiden Rollen wechseln muss. Manchmal hilft es, einen Schritt zurückzutreten und einen Mix mit frischen Ohren zu überarbeiten, um sicherzustellen, dass ich die besten Entscheidungen für die Musik treffe.
Wenn du einen immersiven Mix erstellst, hast du dann eine typische Herangehensweise an das Klangerlebnis deiner Performance? Wie koordinierst du dich mit den anderen Künstlern?
Ich habe in der Tat eine sehr spezifische Herangehensweise an die Platzierung von Elementen im Mix. Für mein neues Soloalbum habe ich eine einzigartige Methode entwickelt, um den Gesang zu positionieren. Ich habe sie so positioniert, dass man das Gefühl hat, der Gesang ist direkt vor einem, genau in der Mitte des Raumes. Er ist nicht nach vorne geschoben oder an einen bestimmten Punkt gebunden, sondern befindet sich genau in der Mitte des Raumes. Dieser Ansatz hat sich sehr gut bewährt, und es kommt wirklich auf die Art des Materials an. Jeff Rotols zurückhaltende Performance zum Beispiel bot nicht so viele Möglichkeiten, es sei denn, Ian spielte viele Flötenüberlagerungen (Jethro Tull – RökFlöte). In solchen Fällen habe ich experimentiert und die Flöten an verschiedenen Stellen platziert, auch über und um einen herum, was einen fantastischen räumlichen Effekt erzeugte.
Was mir aufgefallen ist, und darüber habe ich in der Online-Community gesprochen, ist, dass die Leute es umso mehr zu schätzen wissen, je immersiver und gewagter die räumliche Platzierung ist. Ich habe gelernt, dass es völlig in Ordnung ist, Elemente hinter, über und um dich herum zu platzieren, weil wir nicht mehr an das traditionelle Stereoparadigma gebunden sind. Das ist eine ganz andere, immersive Erfahrung. Es ist erwähnenswert, dass diese Technologie noch relativ jung ist und wir erst jetzt echte Dolby Atmos-Hall und ähnliche Innovationen sehen. Es ist eine aufregende Zeit für diese Entwicklungen und es gibt viel Potenzial für weitere Forschungen.
Was die Klangqualität angeht, so haben wir alle seit den Tagen von SACD und DVD-Audio gelernt, hochwertigen Klang zu schätzen. Leider hat die Musikindustrie diese Möglichkeiten nicht wirklich genutzt. Wann hast du angefangen, dich mit Mehrkanalton zu beschäftigen?
Mit Mehrkanalton habe ich etwa 2012 angefangen. Ich war mit einer Band namens Katatonia auf Tour, die zufällig beim gleichen Label wie ich, KSCOPE, unter Vertrag war. Es war eine Akustik-Tour und ich habe das Live-Album der Band abgemischt. Das Label fragte mich, ob ich einen 5.1-Mix machen könnte, obwohl ich das vorher noch nie gemacht hatte. Also investierte ich in ein paar Lautsprecher und fragte andere, die Erfahrung mit 5.1 hatten. Glücklicherweise unterstützte die Software, die ich benutzte, Cubase, 5.1 von Haus aus – jetzt benutze ich eine, die Dolby Atmos unterstützt, natürlich. Also habe ich es einfach gemacht. Dieser erste 5.1-Mix wurde auf DVD-Audio veröffentlicht, und ich habe sogar einige DVD-Video-Versionen für Künstler gemacht, die in 5.1 veröffentlichen wollten, auch wenn ihr Publikum DVD-Audio nicht abspielen konnte. Es ist ein etwas technischer Prozess, aber ich denke, dass verlustbehaftetes DTS immer noch ziemlich gut klingt.
Was unterscheidet für dich DTS von Dolby als Mehrkanalformat?
Nun, ich habe hauptsächlich mit DTS gearbeitet, aber ich weiß, dass einige Player Atmos auf Dolby HD heruntermischen können, was auch ziemlich gut klingt. Letztendlich hängt die Wahl zwischen DTS und Dolby davon ab, was der Künstler oder das Label bevorzugt. Ich habe festgestellt, dass DTS ein zuverlässiges Format für meine 5.1-Mixe ist.
Da Atmos mit Streaming und leicht verfügbarer Hardware auf dem Endkundenmarkt immer beliebter wird, wie siehst du die weitere Entwicklung?
Das ist eine interessante Entwicklung. Ich habe mit Ingenieuren gesprochen, die an Atmos-Mischungen arbeiten, und es gibt einige Herausforderungen. Erstens muss man beim Mixen für Atmos zwei verschiedene Hörerlebnisse berücksichtigen: das immersive 3D-Audio in einem speziellen Raum und das binaurale Erlebnis für Kopfhörerbenutzer. Das sind zwei völlig verschiedene Welten, und sie in Einklang zu bringen, kann eine Herausforderung sein. Zweitens haben Streaming-Plattformen oft strenge Richtlinien für die Audiowiedergabe, was einschränkend sein kann. Ich würde mir mehr Flexibilität bei der Bereitstellung von immersivem Audio wünschen, um es Künstlern und Labels zu erleichtern, qualitativ hochwertige Inhalte zu veröffentlichen.
In der Tat kann es eine Herausforderung sein, die richtige Balance zwischen den beiden Hörerfahrungen zu finden. In Bezug auf Kopfhörer und das binaurale Format: Gibt es hier Raum für Verbesserungen und Innovationen, um das Hörerlebnis zu optimieren?
Absolut, es gibt Raum für Innovation im Bereich des binauralen Audios. Gegenwärtig haben wir eine gewisse Kontrolle über die Positionierung und die räumliche Darstellung, aber ich würde mir noch mehr Möglichkeiten für eine präzise Steuerung wünschen. Binaurales Audio hat das Potenzial, eine wichtige Rolle zu spielen, insbesondere für Kopfhörerbenutzer. Die Herausforderung besteht darin, einen nahtlosen Übergang zwischen immersiven und binauralen Modi zu ermöglichen, ohne das Hörerlebnis zu beeinträchtigen.
Ich denke, dass zwei getrennte Mixe, einer für immersives und einer für binaurales Hören, eine Möglichkeit sein könnten, beide Zielgruppen effektiv anzusprechen.
Das ist eine großartige Idee. Es würde Künstlern und Toningenieuren ermöglichen, das bestmögliche Erlebnis für jedes Medium zu schaffen. Ich würde mir mehr Tools und Plattformen wünschen, die das einfacher machen.
Am Ende des Tages muss der Künstler Produkte verkaufen. Was denkst du, wie man jungen Bands und Künstlern helfen kann, ihre Musik in der bestmöglichen Qualität neben dem Streaming zu veröffentlichen?
Tatsächlich habe ich mich in einer Online-Diskussion in der Audio-Community wiedergefunden. Die Diskussion drehte sich um die relativ neue Software, die ich benutze. Um ehrlich zu sein, finde ich Blu-ray als Medium fantastisch, aber die Lizenzkosten können es für kleine Künstler etwas schwierig machen. Selbst bei meinem letzten Soloalbum konnte es sich mein Label nicht leisten, es auf Blu-ray zu veröffentlichen. Es ist nur als Stream verfügbar, was frustrierend sein kann.
Trotzdem würde ich mir wirklich einen einfacheren Weg wünschen, Dolby-Atmos-Masterdateien zu erstellen und zu verbreiten. Es wäre
fantastisch, wenn Zuhörer diese Dateien herunterladen und auf verschiedenen Geräten abspielen könnten, sei es auf einem einfachen USB-Stick oder sogar auf eine Blu-ray Disc gebrannt. Das Ziel ist, es unglaublich benutzerfreundlich zu machen, so dass die Leute, wenn sie von einem Album hören, sofort darauf zugreifen können, und zwar in einem hochwertigen, verlustfreien Format.
Im Moment ist der Prozess, eine Dolby-Atmos-Masterdatei in ein leicht zugängliches Format umzuwandeln, nicht so einfach, wie ich es mir wünschen würde. Es gibt einige Websites, die diese Masterdateien in MKV-Videodateien umwandeln, die man dann herunterladen kann, aber ich denke, dass es noch Raum für einfachere Lösungen gibt.
Es ist wichtig, den kreativen Fluss in den frühen Phasen des Musikschaffens aufrechtzuerhalten. Welche Ratschläge hast du für aufstrebende Musiker und Toningenieure, die in deine Fußstapfen treten wollen?
Mein Rat wäre, nie aufzuhören zu lernen. Die Welt der Musik- und Audioproduktion entwickelt sich ständig weiter, neue Technologien und Techniken tauchen auf. Bleib neugierig und experimentierfreudig. Habe keine Angst, Fehler zu machen, denn diese sind oft die wertvollsten Lektionen. Und vor allem stelle immer die Musik selbst in den Vordergrund. Technische Fähigkeiten sind
wichtig, aber sie sollten den kreativen Prozess unterstützen und die emotionale Wirkung der Musik verstärken.
Ausgezeichnete Ratschläge, Bruce. Vielen Dank, dass du deine Einblicke und Erfahrungen in der Welt der Musik und der Tontechnik mit uns geteilt hast. Es war eine Freude, mit dir zu sprechen.
Gern geschehen, Christoph. Mir hat es auch Spaß gemacht, mit dir darüber zu reden.
