Von seinen musikalischen Anfängen als Kind über die Arbeit mit Top-Künstlern bis hin zur Entwicklung der Ambisonics-Technologie hat Richard Whittaker die Musikproduktion in all ihren Facetten erlebt. Wir sprachen mit ihm darüber, wie sich das Abmischen von Musik von den Anfängen in Mono zu den heutigen Höhen des Immersive Audio entwickelt hat und welche spannenden Perspektiven sich daraus für die Zukunft der Musikindustrie ergeben. Das Interview führte Christoph Diekmann.
Vielen Dank, dass du dir die Zeit für dieses Interview genommen hast. Ich freue mich sehr, mit dir über die Herausforderungen des immersiven Mischens für Blu-ray zu sprechen. Du kannst auf eine lange und erfolgreiche Karriere als Toningenieur zurückblicken und hast bereits mit vielen Künstlern zusammengearbeitet. Kannst du uns erzählen, was dich dazu gebracht hat, mit dem Mischen zu beginnen?
Schon als Kind hatte ich eine tiefe Verbindung zur Musik. Seit meinem neunten Lebensjahr spielte ich in Orchestern, Bands, Jazz, Blues und klassischer Musik. Während meiner Ausbildung hatte ich die Gelegenheit, mich mit Musiktechnologie zu beschäftigen, insbesondere mit analoger Bandaufnahme, was mir sehr viel Spaß machte. Ich setzte mein Studium fort und machte meinen Bachelor und Master. Mein Weg führte mich zur Ambisonics-Technologie, die sich als sehr wertvoll erwies. Für meinen Master zog ich nach London und arbeitete nachts in verschiedenen Studios, während ich tagsüber meine Kurse besuchte. Schließlich musste ich mich entscheiden, ob ich meinen Master-Abschluss machen oder mich auf meine Karriere konzentrieren wollte, und ich entschied mich für Letzteres. Seitdem arbeite ich ununterbrochen in der Musikproduktion.
Die Entwicklung des Musik-Mixens hat uns von Mono zu Stereo und jetzt zu Surround und immersivem Audio geführt. Wie hat diese Entwicklung deine Herangehensweise an das Mischen von Musik beeinflusst?
Der Übergang von Mono zu Stereo und jetzt zu immersivem Audio hat meine Herangehensweise an das Musikmischen stark beeinflusst. Das Mischen in Stereo und das Mischen in Surround, sei es 5.1 oder Atmos, erfordern unterschiedliche Techniken. Obwohl sie einige Gemeinsamkeiten aufweisen, erfordern sie aufgrund der Vielzahl von Parametern unterschiedliche Methoden und Überlegungen. Die Technologie hinter Atmos und seine wachsende Popularität als Standardformat verändern das Spiel. Atmos bietet ein Einstiegsniveau an Immersion, das zuvor mit Formaten wie 5.1 oder 7.1, die erhebliche Investitionen in Ausrüstung und Raumkalibrierung erforderten, nicht möglich war. Mit Atmos kann jeder mit nur einem Paar Kopfhörern ein immersives Audioerlebnis genießen. Diese Zugänglichkeit stellt einen Wendepunkt in der immersiven Audiotechnologie dar.
Mischst du hauptsächlich mit Kopfhörern oder verwendest du ein 7.1.4-Setup für deine Arbeit?
Meine Hauptmischanlage ist ein 7.1.4-Raum, der für Dolby Atmos zugelassen und kalibriert ist. Ich beginne damit, einen Mix zu erstellen, der im Raum gut klingt, und benutze dann Kopfhörer für Vergleiche und Detailarbeit. Wenn ich mit dem Mix im Raum und über Kopfhörer zufrieden bin, wechsle ich zwischen beiden, um sicherzustellen, dass er auf verschiedenen Wiedergabesystemen gut klingt. Ich empfehle jedoch nicht, ausschließlich mit Kopfhörern zu mixen, da dies zu suboptimalen Ergebnissen führen kann, wenn der Mix in einer Atmos-Umgebung abgespielt wird.
Immersive Audio wie Atmos bietet unterschiedliche Erfahrungen für Studioaufnahmen und Live-Konzerte. Kannst du uns die wichtigsten Unterschiede in deiner Herangehensweise beim Mixen eines Studioalbums im Vergleich zu einem Live-Konzert nennen?
Natürlich. Bei der Abmischung eines Live-Konzerts gibt es Einschränkungen, da man die Atmosphäre des Konzerts einfangen muss. Das Publikum muss präsent bleiben, während die Band im Mittelpunkt steht. Kürzlich habe ich den „Live in L.A.“ Hendrix-Mix gehört. Die Verzögerungen und die Eindrücke, die sich im Publikum ausbreiten, wenn Hendrix zu einem Solo ansetzt – das war eine wirklich gute Idee. Aber man muss nicht alle Register ziehen, damit Atmos gut klingt. Es ist wichtig, die Authentizität dessen, was auf der Bühne passiert, zu bewahren. Im Gegensatz dazu bieten Studioalben mehr Kontrolle und Flexibilität, um den Sound genau so zu gestalten, wie man ihn haben möchte. Bei Live-Alben muss man mit der Realität des Live-Events arbeiten, um die Präsenz des Publikums zu erhalten, während die Band im Mittelpunkt bleibt.
Bei Live-Konzerten müssen die physische Umgebung, das Publikum und die Positionierung der Band berücksichtigt und effektiv umgesetzt werden. Im Hinblick auf die verwendete Technologie bietet Atmos die Flexibilität, ein immersives Erlebnis sowohl für Studioalben als auch für Livekonzerte zu schaffen. Während Live-Alben traditionell darauf abzielen, die Intensität und Stimmung des Ereignisses einzufangen, ermöglicht die immersive Technologie eine getreuere Darstellung.
Ja, auf jeden Fall! The Who live in Wembley mit einem Orchester aufzunehmen, hat dem Sound eine neue Dimension gegeben. Kannst du uns sagen, ob es eine besondere Herausforderung war, den Bandsound mit dem Orchester zu kombinieren?
Nicht wirklich. Den Bandsound von The Who mit einem Orchester zu kombinieren, war keine große Herausforderung. Ich hatte bereits Erfahrung mit dem Mischen von „Tommy Comes Alive“ mit einem Orchester für Roger (Daltrey), und das war eine solide Basis für dieses Projekt. Es war ein nahtloser Übergang zu einem größeren Sound in einer größeren Halle. Die Integration des Orchesters und der Band hat gut funktioniert und es war ein erfolgreicher Versuch.
Es klingt großartig! Ich denke, der Erfolg, den Klang des Publikums einzufangen, hängt auch vom Veranstaltungsort ab. Unterschiedliche Veranstaltungsorte wie offene Amphitheater und geschlossene Fußballstadien stellen unterschiedliche Herausforderungen an die Aufnahme der Atmosphäre.
Für diese Aufnahme haben wir mehrere Publikumsmikrofone verwendet, darunter „Real Mics“, „Mid Mics“ und zwei Sets von „Front-of-House“-Mikrofonen. Damit hatten wir verschiedene Optionen, mit denen wir arbeiten konnten, und wir mussten mit Verzögerungen arbeiten, um ein kohärentes und immersives Klangerlebnis zu schaffen. Letztendlich konnten wir so einen dynamischen und umhüllenden Sound erzeugen, der die Erfahrung eines Live-Konzerts vermittelt.
Warst du auch am Aufnahmeprozess beteiligt oder hast du nur am Mix für diese Live-Performance gearbeitet?
Ich war an den Live-Aufnahmen für dieses Projekt nicht beteiligt. Meine Arbeit begann, als ich die fertigen Aufnahmen erhielt und für die Abmischung im Studio verantwortlich war. Mit all den verschiedenen Mikrofonaufnahmen war es eine sehr große Session. Es war ziemlich anspruchsvoll, aber wir haben es geschafft.
Ja, ich denke, das habt ihr sehr gut gemacht. Hast du bei der Erstellung des Immersive Mixes mit einem Stereomix als Basis begonnen oder bist du direkt mit dem Immersive Mix in dieses Projekt eingestiegen?
Bei diesem Projekt habe ich mit dem Stereomix begonnen. Nachdem der Stereomix fertig war, habe ich ihn als Leitfaden verwendet, um den Mix für Atmos anzupassen. Gareth Johnson, Roger und Keith Levenson und ich haben zusammen an der Mischung gearbeitet.
Kannst du uns einen Einblick in die Herangehensweise und das Zeitmanagement geben, die für dieses Projekt erforderlich waren?
Der Mix hat aufgrund der Komplexität der Session viel Zeit in Anspruch genommen. Es gab viele logistische Herausforderungen zu bewältigen, um sicherzustellen, dass alles in einer Session zusammenkam. Ich bevorzuge es, an einem Mix in einer einzigen Session zu arbeiten, auch wenn das seine Grenzen hat. Das gibt dem Mix eine natürliche Atmosphäre, und so arbeite ich gerne. In diesem Fall dauerte allein der Stereomix etwa zwei bis drei Monate Arbeit mit Unterbrechungen. Nachdem der Stereomix freigegeben war, haben wir ihn als Referenz verwendet, um den Mix auf Atmos umzustellen. Der Atmos-Mix hat ebenfalls einige Zeit in Anspruch genommen, da ich ihn in verschiedenen Studios referenziert und kleine Anpassungen vorgenommen habe, um sicherzustellen, dass er gut klingt. Insgesamt dauerte der Übergang vom Stereomix zu Atmos etwa einen Monat.
Mein Ansatz war es, die Energie und Stimmung der Live-Performance zu erhalten, während ich sie an Atmos anpasste. Es war wichtig, die Intensität der Performance, die Präsenz der Band und die Atmosphäre des Publikums beizubehalten. Ich wollte ein immersives Erlebnis schaffen, bei dem der Zuhörer das Gefühl hat, im Stadion zu sein.
Beim Zuhören hatte ich das Gefühl, im Stadion zu sein [lacht].
Das ist genau das, was wir erreichen wollen! (lacht)
Ich habe den Eindruck, dass die Künstler umdenken müssen, um ihre Musik an diese neuen Möglichkeiten anzupassen. Wie haben die Künstler reagiert, als sie hörten, dass ihre Kompositionen auf diese Weise hervorgehoben werden, und sind sie deiner Erfahrung nach skeptischer gegenüber immersivem Audio, weil sie so sehr an Stereo und 5.1 gewöhnt sind?
Sie sagten Dinge wie „Ja, großartig! „Mach weiter, klingt toll!“ Es gab nicht wirklich viel Feedback. Es hat ihnen wirklich gefallen. Eigentlich hatte ich Verbesserungsvorschläge und anderes Feedback erwartet. Aber alles lief gut.
Einige sind sehr offen für Immersive Audio und freuen sich darauf, ihre Musik in dieser Richtung zu erforschen. Andere sind eher skeptisch, manche wollen es gar nicht erst in Erwägung ziehen. Die versuche ich zu überzeugen. Es kann eine Herausforderung sein, diese Erfahrung zu verkaufen, aber sobald sie es hören, sind sie begeistert. Aber ja, manchmal ist es schwierig, Künstler zu überzeugen.
Ganz sicher, ich glaube, das Zuhören ist der Schlüssel, um ihre Meinung darüber erfolgreich zu ändern.
Wenn wir einen Blick in die Zukunft werfen, wie siehst du die Perspektiven für Immersive Audio in der Musikindustrie und gibt es Entwicklungen oder Trends, die du in der Welt des Immersive Audio erwartest?
Ich glaube, dass immersives Audio schnell an Bedeutung gewinnen und für ein breiteres Publikum zugänglich werden wird. Das Metaverse wird immersives Audio auf eine ganz neue Ebene heben. Große Marken investieren stark in Virtual Reality und virtuelle Geschäfte – das Potenzial ist unglaublich. Auch wenn einige Technologien noch nicht ausgereift sind, werden sie die Art und Weise, wie wir Musik erleben, revolutionieren, sobald sie für den Verbraucher zugänglicher werden. Ich erwarte, dass Immersive Audio einen großen Einfluss auf die Musikindustrie haben wird, so wie Stereo einst Mono verändert hat.
Glaubst du, dass es kein Zurück mehr gibt und Immersive Audio der neue Standard wird?
Ich hoffe es [lacht]. Wir müssen uns weiterentwickeln und Musik so hören, wie sie gehört werden soll, anstatt uns auf zwei Lautsprecher zu beschränken.
Arbeitest du bei deinen Mixes in der gleichen Studioeinrichtung für Stereo und passt sie dann für Immersive Audio an oder arbeitest du in einer anderen Einrichtung?
Ich arbeite in derselben Studioeinrichtung, die eine 7.1.4-Konfiguration ist. Mein Ansatz ist es, mit Stereo zu beginnen, das immer noch das vorherrschende Format ist, und dann zu Atmos überzugehen. Obwohl wir in Zukunft vielleicht einen Trend sehen werden, bei dem Atmos an erster Stelle steht und Stereo als sekundäres Format, ist Stereo derzeit die Basis, auf der ich meine immersive Mischung aufbaue.
Angesichts der Vielfalt, die Blu-ray bietet, sind Klangqualität und Perspektive entscheidende Elemente deiner Arbeit?
Absolut. Auch wenn nicht jeder Zugang zu hochwertigen Blu-ray-Playern und 7.1-Systemen hat, streben wir nach der bestmöglichen Klangqualität. In einer idealen Welt würden wir immer die höchste Qualität anstreben. Aber wenn ein gewisser Qualitätsverlust bedeutet, dass mehr Menschen in den Genuss von immersivem Audio kommen, sind wir bereit, diesen Kompromiss einzugehen. Wenn die Technologie leichter zugänglich wird, werden mehr Menschen sie nutzen, und die Qualität des immersiven Audios wird sich weiter verbessern.
Vielen Dank für das Interview, Richard. Wir wissen Deine Einblicke zu schätzen!
Danke, kein Problem, Christoph. Hab einen schönen Tag!
